Catégorie : Théorie

Dans chaque recoin des académies patientent des fragments d’académisme qui attendent une forme ou une autre de réveil contemporain. Au confluent des mouvements éphémères, chacun d’entre eux possède la force nécéssaire à traverser le temps et à enfanter encore. Plus j’étudie l’histoire de l’art et de ses techniques, plus je me libère, je me déshabille du superficiel et du temporaire. L’académisme contemporain c’est embrasser l’art complètement nu.

Peut on parler de la plastique de la peinture comme de l’esthétique de la superficialité de la forme sachant que la peinture n’a de forme que celle générée par le dessin accompagné de l’effet visuel de la peinture même qui n’a logiquement qu’une très faible matérialité. Je m’interroge sur cela lors de ma visite à l’exposition qui réunit les préraphaélites et certaines oeuvres de la renaissance italienne au Museo San Domenico à Forlì. Qu’est ce qui différencie un Burne-Jones d’un Leighton ou d’un Watts, ou encore d’un Waterhouse un Morris ou d’un Millais? Réunis dans cette exposition ils sont évidement forts différents et se détachent des autres noms représentatifs du mouvement mais moins connus. Est-ce la forme c’est à dire le dessin de la silhouette des figures, est-ce la couleur, la présence ou l’absence de ce qui donne du relief aux figures; est-ce l’espace par l’effet de profondeur ou de platitude des zones autour des figures; est-ce la délicatesse de la touche et des mélanges, huile, crayon gouache, pastels, selon les choix techniques de chacun qui donne l’envie de croire que ce que l’on voit est une réponse à notre désir du beau? Pourquoi les croquis de Ruskin sont-ils importants, est-ce par leur impact dans la diffusion du concept de grand tour ou par leur esthétique graphique, ou encore par l’analyse architecturale représentée, ou bien le fait que ces dessins soient une conséquence directe de ce qu’un bel esprit fait de ce qu’on lui donne à ressentir? Etait agencée dans le coeur de la nef, le musée San Domenico étant une ancienne église, une série de tapisseries par Burne-Jones et Morris: aucune touche de pinceau rien que du fil teinté, une composition parfaite et des figures qui se détachent du fond comme dans les peintures de Botticelli, on ne peut pas parler ici de plastique de la peinture mais de la tendre sensation intime que génère la tapisserie dans un intérieur élégant, est ce que l’idée de l’oeuvre portée par un tel matériau n’acquiert pas une dimension supérieure car appartenant à un style décoratif de niche dont la rareté n’a d’égal que le coût mérité de fabrication. Est-ce que l’histoire de la quête du Graal, ou toute autre histoire qui raconte comment le beau ne se situe pas dans l’esthétique plastique mais dans les actes des hommes, constitue ce qui donne à l’oeuvre sa magie séductrice, c’est à dire est que le fond est plus important que la forme. Ou bien au contraire, est ce que la plastique d’une oeuvre peut à elle même véhiculer l’esthétique au delà de la forme même de ce qui est représenté, et est-ce que cela intervient sur notre désir de la posséder ou de la regarder des heures. L’esthétique de la tapisserie, celle de la peinture à l’huile, et enfin celle du marbre sont elles des facteurs importants dans la qualification de l’oeuvre d’art. Vous vous doutez bien que si j’ai passé deux ans à Carrara ce n’est pas pour admettre qu’un simple truc en quelconque machin chose puisse véhiculer autant de concepts. Pour ma thèse j’ai réalisé un coquillage en marbre, une oeuvre symboliste aux différents concepts historique et formels. J’ai réalisé en regardant mon travail que ce que j’avais fait n’était pas un coquillage, car quand on en regarde un véritable on regarde l’Oeuvre de la Nature, alors que regarder un coquillage en marbre c’est regarder l’Oeuvre de l’Homme qui regarde la Nature, et aussi la Nature de l’Homme comme poussière cosmique. Et je me suis demandé si une traduction en bronze aurait la même valeur conceptuelle. Le bronze dans ce cas de cette forme complexe aux aspects superficiels travaillés de façons différentes pourrait sans aucun doute présenter un intérêt visuel intéressant, surtout agrandit à faire de nous des lilliputiens rêveurs, le matériau prestigieux a sa propre plastique et sans aucun doute ce serait une traduction que j’aimerai voir. Mais ce ne serait qu’une coquille vide en bronze, c’est à dire une superficialité à la plastique intéressante dont l’aspect offre une esthétique séduisante, une invitation au voyage entre autre. Mais vide de matérialité, à l’oeuvre serait ôté son aspect cosmique qui n’est lui contenu que dans sa naissance par extraction de la montage blanche, poussière d’étoile dans le vide cosmique. Les arts du feu sont des arts de l’esprit, hérités de Prométhée, les arts de la pierre sont des arts du labeur d’Hercule pour le temps qui lui est donné de vie.

Mai 2024 Pendant que je me consacre à mon mémoire de thèse de magistrale à Carrare, je me souviens de l’expérience de la thèse précédente. Pendant les trois années de sculpture à Florence, la salle 19 était un ventre silencieux, un berceau, un four, une tranchée de guerre, un temple, une grotte. La pensée active à l’intérieur de laquelle était tangible à donner le vertige. Mon mémoire porte en partie sur cela, le lieu où naît le concept et où il reçoit structure, ordre, plastique, le lieu où naît la pensée. J’entends comme concept de départ et comme espace propice à son alimentation, qui suit un chemin lent et laborieux à travers les différents ateliers pour prendre forme d’œuvre d’art. A19 est le nom de la salle inscrit sur la porte de la salle de sculpture du professeur Stefano Patti.
Lire Rodin m’a suggéré l’idée de consacrer mon mémoire à la transmission des savoirs, à la relation spirituelle et humaine étroite entre maîtres et étudiants, et c’est en suivant des thèmes précis du cours de sculpture que j’ai structuré les chapitres. Lors de la rédaction, j’ai essayé de relier de manière contemporaine l’enseignement reçu dans les livres et l’enseignement concret en classe, avec un long entretien avec le professeur Patti. Dans le sujet je fais référence à l’astrophysicien Reeves qui nous parle de la matière et de l’intelligence qui l’anime, en relation avec l’art de la sculpture qui traite aussi de la matière, de la vie et de l’espace. Il était également important de se référer au cours de mon professeur de lycée Jacques Very dont les enseignements m’accompagnent depuis des décennies, et à mon parcours d’études à Florence avec Patti et les autres professeurs. Le cours de sculpture de Patti pendant ces trois années est un cadeau, et j’ai ressenti le besoin de l’historiciser dans ma thèse. Notre « conversation » dans la bibliothèque historique de l’Académie avait pour objectif de nourrir un texte de base pour l’enseignement.
Mon professeur a pris le temps de répondre à mes questions, avec sincérité et foi. J’en suis très contente, j’espère qu’il sera utile dans le temps. Quand nous ne serons plus là, ce texte rappellera que certains considéraient qu’il était important de parler et de définir ces concepts par écrit afin de les transmettre. J’ai partagé avec Very cette joie d’avoir réuni dans un même thème les différents « professeurs » qui me sont chers, le professeur du lycée et celui de l’académie, avec une dédicace particulière à la mémoire de mon père qui m’a appris la photographie dont le nom est écrit sur chacune de mes œuvres. Very m’avait confié que l’idée même de notre relation épistolaire à travers le temps et la géographie témoignait de l’importance de la responsabilité qu’un professeur peut avoir envers les élèves qui lui sont confiés, et m’en remercie. Mais combien c’est à moi de remercier ce grand monsieur qui répond encore aujourd’hui à mes lettres, dont la leçon dans les années 86-90 m’avait changé à jamais. À Florence, j’ai continué à développer et à nourrir mon identité artistique jusqu’à ce que je ressente le besoin absolu de répondre à l’appel du marbre et d’aller à Carrare. Maintenant, je retourne à la relecture de la prochaine thèse…

Maggio 2024 Mentre mi dedico alla tesi di Magistrale a Carrara mi ricordo l’esperienza della tesi precedente. L’aula 19 è stata durante il triennio di scultura a Firenze un grembo silenzioso, una cula, un forno, una trincea in guerra, un tempio, una caverna. Il pensiero attivo cui dentro era tangibile ad averne vertigini. La mia tesi di laurea tratta in parte di questo, il luogo dove nasce il concetto e dove riceve struttura, ordine, plastica, il luogo in cui si nasce il pensiero. Si intende come concetto di partenza e come spazio favorevole al suo nutrimento, che segue un percorso lento e laborioso attraverso i diversi laboratori verso lo stato di opera d’arte. A19 è il nome dell’aula scritto sulla porta dell’aula di scultura del professore Stefano Patti.
Leggere Rodin mi ha suggerito l’idea di dedicare la tesi di laurea alla trasmissione dei saperi, allo stretto rapporto quanto spirituale e umano tra maestri e allievi, ed è seguendo argomenti specifici alla lezione di scultura che ho strutturato i capitoli. Ho cercato nella stesura di collegare in chiave contemporanea l’insegnamento ricevuto sui libri e l’insegnamento concreto in classe, con una lunga intervista al professore Patti. Nell’argomento faccio riferimento all’astrofisico Reeves che ci parla della materia e dell’intelligenza che la anima, in rapporto all’arte della scultura che a anche fare con la materia, la vita e lo spazio. Era importante riferire anche alla lezione del mio professore Very i cui insegnamenti mi accompagnano da decenni, e al mio percorso di studio a Firenze con Patti e gli altri professori. La lezione di scultura di Patti durante il triennio è un dono, ed ho provato la necessità di storicizzarla nella mia tesi. La nostra ”conversazione” nella biblioteca storica dell’Accademia mirava a nutrire un testo di base per la didattica. Il mio professore ha dedicato del suo tempo per rispondere alle mie domande, con sincerità e fede. Ne sono molto felice, spero sarà utile nel tempo. Quando noi non ci saremo più, il testo ricorderà che alcuni persone hanno considerato importante di parlare e definire allo scritto questi concetti per trasmetterli. Ho condiviso con Very questa gioia di avere unito in uno solo argomento i diversi “maestri” che mi sono cari, il professore del liceo Very e quello dell’accademia Patti, con una dedica speciale alla memoria di mio padre che mi insegnò la fotografia il cui nome è scritto su ogni opera mia. Very mi ha confidato che a considerare la nostra amicizia e relazione epistolare attraverso il tempo e lo spazio, lui in Normandia io in Toscana, trent’anni dopo il liceo, realizza quanto è importante la responsabilità di un docente preso gli allievi che gli sono affidati, e mi ringrazia. Ma quanto sono io che devo ringraziare questo grande signore che risponde ancora alle mie lettere, la cui lezione negli anni 86-90 mi aveva cambiato per sempre. A Firenze ho continuato a crescere e a nutrire la mia identità artistica fino a sentire l’assoluta necessità di rispondere all’appello del marmo e di andare a Carrara. Ora torno alla rilettura della prossima tesi …

Fotografie del giorno della tesi a Firenze sull’articolo di Blog Tesi di laurea a Firenze

Quand la pensée est trop cadrée, sa liberté s’enfuit dans les interstices. Il existe deux façons de regarder cette image: une consiste à voir les caractères d’imprimerie qui servent à encrer noir sur blanc les mots, l’autre à voir l’espace libre entre les mots.
Deux interprétations possibles: la première est que la pensée peut s’enfuir dans le faible espace libre, la seconde que lire entre les lignes permet d’accéder à une pensée complète. C’est à dire que le plein et le vide forment un ensemble qui seul permet de comprendre le visible. Et si on parlait d’évasion… entre les lignes se trouvent aussi bien la signification profonde d’un texte que les divagations que le lecteur produit, caché dans l’absence de forme. Chercher l’invisible dans le visible en littérature suit un mécanisme identique à celui de la sculpture. Chercher le sens du symbole, le pourquoi du comment, le sens imperceptible aux sens. La complexité d’un langage, qu’il soit ici posé à l’envers chez un typographe comme dans le Codex de Leonardo, qu’il s’agisse d’un langage connu de seule quelque élite intellectuelle, ou quand la forme induit une superficialité qui submerge le fond, fait que sa compréhension en sera limitée. D’où l’importance de la capacité de lire entre les lignes je dirais même du désir d’y découvrir quelque chose car c’est finalement là que se trouvent les secrets de l’âme humaine.

Un samedi florentin consacré au plaisir était prévu depuis plusieurs jours, et voilà que s’impose à l’improviste un devoir scolaire. Nous étions donc assises dans une salle du Palais Strozzi, invités par le professeur de « Tendance contemporaine » à ce colloque obligatoire sur la crise de la critique d’art quand il me vint une envie furieuse d’aller dans la tombe de Laurent le magnifique. Malgré l’intérêt, ni la tendance ni la critique ne sont dans mes fondamentaux, je dis discrètement à mon amie je m’ennuie et elle répondit moi aussi. nous nous sommes donc enfuies tout aussi discrètement, abandonnant à leur crise ces gens pour lesquels nous, sculpteurs, avions peu d’intérêt. C’est ainsi que commença vraiment la journée parfaite. Depuis les Chapelles Médicis, lieu à l’origine de mon envie de m’enfuir, nous sommes allées au Bargello, où je vais souvent quand j’ai besoin de respirer. Ensuite nous avons retrouvé un ami sous le Persée de Cellini avec lequel nous sommes allés au Ponte vecchio faire quelques selfies avec les touristes. Nous avons mangé des fougasses farcies au cochon achetées à une roulotte, et marché sous le soleil de Toscane jusqu’à Santa Trinità ou nous avons admirés ensemble le Christ en bois du jeune Michel-Ange. Pendant ce temps, des personnes élégantes et cultivées parlaient dans cette salle fermée et pleine de velours sur la crise de la critique d’art, sans que nous n’ayons jamais su à la fin s’ils avaient trouvé une solution à leur problème. Qui sommes nous, simples artistes, pour y changer quelque chose, pourquoi devrions nous vous comprendre vous qui nous ignorez fièrement, notre temps libre nous préférons l’investir en flâneries dans le beau.

Un sabato fiorentino dedicato al piacere, si colloca un imprevisto compito scolastico. Eravamo sedute ad ascoltare gente parlare in un aula del palazzo Strozzi per un seminario sulla crisi della critica d’arte quando ebbi una voglia fulgente di andare nella tomba di Lorenzo. Dissi alla mia collega “ mi annoio” rispose “anch’io”, quindi siamo scappate via discretamente. La giornata iniziò davvero con un giro perfetto: dalle Cappelle Medicee dove ho accontentato il mio primo desiderio, siamo andate al Bargello dove vado sempre quando ho bisogno di respirare, in seguito abbiamo ritrovato un amico sotto il Perseo di Cellini per andare poi al Ponte Vecchio fare delle foto di noi. Abbiamo mangiato delle focacce farcite con roba di maiale, comperate in una roulotte di strada, e camminato sotto il sole toscano fino a Santo Spirito e Santa Trinità. Mentre ciò, gente elegante e colta parlava in quell’aula chiusa sulla crisi della critica d’arte. Ma chi siamo noi artisti per cambiarci qualcosa, il nostro tempo libero lo investiamo meglio a zonzo nel bello.

Décembre 2024. La petite histoire. Ces MEMEs me sont tombés dans le crâne la semaine de rentrée scolaire aux Beaux Arts de Carrara quand j’ai reçu le nouveau programme d’études de magistrale en novembre 2022. Je m’étais inscrite sur un programme parfait, et sans aucun doute je me serais également inscrite sur le nouveau moins bien construit, mais quand on choisit un programme et que le changement implique un renoncement c’est une pilule difficile à avaler. J’ai vécu ces changements dans la douleur, le mot est faible, d’où le besoin de créer ces images digitales sarcastiques. Un exorcisme nécessaire. Le programme 2021 était parfait, ateliers techniques et histoire de l’art, anatomie artistique et apprentissages du marbre et du bronze, le programme idéal pour une spécialisation dans la sculpture figurative, ou pas. Malheureusement le nouveau programme impliquait de remplacer l’étude de l’anatomie par video-sculpture (un atelier de dessin 3D dont les cours étaient essentiellement repiqués sur YouTube) et l’atelier de techniques-de-la-sculpture remplacé par applications-digitales: un cours d’utilisation de modules complémentaires aux applications de dessin par ordinateur qui n’est réalisable que par ceux qui pratiquent des heures de dessin et photographie digitale et par conséquent inaccessible par ceux qui pratiquent essentiellement la matière tangible. Deux ateliers fondamentaux de sculpture remplacés ainsi par deux cours de geeks. J’avais tenté d’expliquer cela au directeur de l’époque, en qualifiant de soupe au digital le nouveau programme comparé au précédent qui était une vraie spécialisation qui mirait à l’excellence. J’avais sous entendu que ce nouveau programme ne visait qu’à faire en sorte que les diplômés ne soit pas trop excellent, il ne faudrait pas déranger les nuls. Il m’avait dit alors « Madame il faut vivre avec votre temps« . Ce qu’il ne savait pas c’est que le digital et moi on est de vieux amis… il avait éludé la question de la spécialisation de niveau académique qui était grignotée par la tendance du digital, faisant perdre du temps aux élèves dans des ateliers inutiles à leur parcours sachant qu’il existe un cursus spécifique pour ces activités digitales. Mais le plus grave est la tendance iconoclaste que subissent les sculpteurs académiques contemporains auxquels on supprime l’atelier de nu, car l’entraînement au dessin d’observation est un exercice indispensable au sculpteur figuratif, ce qui correspond à l’échauffement nécessaire à chaque match: dessiner le nu et les sculptures pour le sculpteur correspond aux dix tours de terrain avant chaque partie pour le sportif. L’atelier de nu et de dessin du squelette et des muscles ainsi que le dessin des oeuvres académiques est un atelier qui doit être accessible chaque année en option en plus des deux années obligatoires si le figuratif est la spécialité choisie par l’élève. J’ai réussi à changer un des deux cours grâce à l’intervention de la nouvelle directrice pour accéder à toutes les compétences que j’étais venue chercher à Carrara, mais j’ai quand même dû me coltiner l’autre. Par respect pour l’enseignant et pour l’institution académique j’ai fourni un travail à la hauteur et même plus, mais c’est à chaque fois à contrecoeur que je devais laisser l’atelier de sculpture pour aller m’asseoir derrière un bureau. Je trouvais absurde d’aller à Carrara chercher les connaissances du travail du marbre pour m’asseoir à un PC comme il aurait été absurde d’aller à Firenze pour étudier la renaissance sur Wikipédia. L’année suivante le programme était de nouveau changé pour le nouveaux et un seul des deux cours digital était obligatoire, comme quoi s’indigner et se rebeller est utile au moins pour les autres. Les sarcasmes m’ont toujours fait rire et ces images en sont le témoignage, fort heureusement ces deux années à Carrara ont été si intenses qu’à bien y réfléchir je me suis au moins un peu reposée en cours de modelage 3D, contrainte et forcée à glander derrière un écran…